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Buenas, mientras andamos por méxico con el proyecto Calavera/Carabela os enlazamos esta breve entrevista  que el periódico Diagonal realizó a Jaron con motivo de su participación en la sesión “lugares y modos de producción” del taller Atravesad*s por la cultura en Madrid. También hay una versión más larga que postean en el blog de Atravesad*s

 “La cultura al servicio de la economía es un proyecto de gobierno de la ciudad”

A su paso por Madrid en los talleres Atravesad*s por la cultura, charlamos con Jaron Rowan, de la productora cultural YProductions, donde investigan cómo se entrecruzan sujetos, dineros, ciudades, política y cultura

DIAGONAL: Se oye hablar mucho de cultura e innovación…

JARON ROWAN: Desde YP hemos realizado una investigación en la que hemos visto por un lado una “cultura de la innovación”, esos planes-ciudad, planes-barrio, que intentan aunar la economía y la cultura con una clara visión instrumental. Se trata de un proyecto de gobierno de la ciudad, que busca generar una sociedad más imaginativa para generar crecimiento económico. Por otro lado, vemos una “cultura innovadora” que sólo significa novedad o transgresión. Y por último, nosotros hablamos de tramas y colectivos autoorganizados, capaces de generar cultura, lo denominamos innovación “emergente”.

D.:¿Qué políticas públicas existen?

J.R.: En los años ‘80 empieza un debate que dura hasta hoy sobre la cultura como derecho; los movimientos sociales (feministas, étnicos) empiezan a cuestionar al Estado “de hombres blancos” como garante del acceso a la cultura. Y justamente tenemos un discurso neoliberal emergiendo que ve la cultura como un recurso y que dice que en vez del Estado sean empresas las que proporcionen productos culturales y que la gente vote con su bolsillo. Iniciativas públicas buscan que personas o asociaciones que estaban generando cultura pasen a ser empresas culturales. Esto siempre es a costa de privatizar su conocimiento y de sustraerlo de la cuenca en que lo han producido. Y esa idea de cultura va comiéndose lo que era la idea de la cultura como derecho. Tenemos unas políticas culturales muy mal pensadas, el Estado piensa qué le falta a una ciudad y lo intenta proporcionar, pero en detrimento de mirar qué está pasando y cómo se puede ayudar a que eso siga pasando; no premian lo que está pasando de abajo a arriba, ni construir un contexto cultural fuerte en vez de un contexto cultural llamativo, ni premian crear un dominio público rico y accesible. Nos interesa pensar qué política pública favorecería eso.

D.: ¿La creatividad social?

R.W.: Sí, las empresas empiezan a captar estas formas de creatividad social, las ideas que surgen, y las convierten en productos, las llevan al mercado y lo comercializan. Ser conscientes de que somos productores, de que generamos riqueza, pero no capitalizarla implica que alguien lo está haciendo en detrimento de nosotros mismos. Trabajamos más horas que las ocho de nuestros padres y abuelos, tenemos una carga enorme de responsabilidad y hemos pulverizado todas las ganancias sindicales. Tenemos que pensar cómo generar canales para que ese conocimiento vuelva, hablamos de dominios públicos, de instituciones de lo común, que permanezcan abiertas a la gente pero que también devuelvan lo que está generando la gente. Sabemos que no queremos entrar en cierta economía de la cultura y si no queremos que se base en la propiedad intelectual, todo esto lo tenemos que resolver nosotros.

D.: ¿Podrías poner algún ejemplo de esas políticas públicas aplicadas a la ciudad?

R.W.: El caso paradigmático sería Barcelona ‘92, cuando se ponen al servicio de la ‘gobernanza’ de la ciudad todas las industrias de diseño y la imaginería, lo audiovisual, para generar esta imagen de ciudadano feliz que quiere ser voluntario, para eso hay muchas campañas de diseño, muchos ecos. Es una orden que viene desde arriba. En Barcelona las instituciones han sido desde mediados de los ‘90 siempre superporosas, podías ver gente de la escena alternativa desarrollando proyectos en ellas. En Madrid nos encontramos que no hay esa flexibilidad; el “paseo de los museos”, generar un paseo del turismo cultural, es una forma de gobierno muy antiguo. Aunque sí hay cambios, por ejemplo, si miras el Círculo de Bellas Artes hace 10 años y ahora, en estos momentos hay gente que podría estar facilitando entrar nuevas líneas…

D: ¿Por qué se apoyan los Planes de Emprendizaje, basados en políticas que premian que los sujetos culturales sean empresas culturales?

R.W.: En estas industrias creativas somos trabajadores autónomos, freelances, todos los que estamos pululando en economías semiformales. Estos Planes, ante la incapacidad de generar empleo, sacan a mucha gente del paro. Más de fondo, se fomenta una especie de empresarialización de la sociedad, de las personas, para que todos seamos y pensemos como empresas. Somos un inmenso departamento de Investigación y Desarrollo externalizado.

Por otro lado, la gente se mete en estos planes porque estamos muy jodidos, pero se vive con muchas contradicciones: ¿es por vocación o por necesidad?, “creatividad versus gestión”. La autonomía y la libertad entran en crisis cuando tienes que generar beneficios…
MÁS INFO

TODAS LAS INVESTIGACIONES DE YPRODUCTIONS EN: http://www.ypsite.net/

LOS PRÓXIMOS TALLERES DE ATRAVESAD*S POR LA CULTURA: http://atravesadasporlacultura.word press.com

“Lo normal no es idéntico a la norma pero puede adoptar su función. La normalidad nunca es algo externo, porque somos nosotros y nosotras quienes la garantizamos y la reproducimos con alteraciones. De acuerdo con esto, nos gobernamos en el dispositivo que conforman la gubernamentalidad, la biopolítica y el capitalismo, en la misma medida en que nos normalizamos” (Isabel Lorey)

Muchas veces hemos comentado, discutido y nos hemos llegado a enrabietar entre colegas y allegados cuando hablamos sobre la capacidad de transformación que pueden o no tener nuestros proyectos e investigaciones culturales, así como el impacto social y político que pueden o no producir nuestras tareas. Pues sí…ya ves, de estas cosas llega a hablar uno entre copas y amigos. Quienes trabajamos produciendo en la extraña y poco delimitable esfera cultural -si es que acaso no es todo el grueso social quien produce en dicho contexto, tema que hemos intentado abordar en alguna ocasión (PDF)- nos encontramos en una situación donde la autonomía, libertad y el poder tranformador que a veces le otorgamos a nuestro trabajo merece especial atención. Tal vez por las características de los contextos donde realizamos productos, servicios o ideas, tenemos la sensación de estar constituyendo cierta forma de antagonismo, resistencia o como mínimo de debate continuo sobre un status quo que parece imperecedero. La pregunta, entre otras muchas posibles, sería si nos hallamos en un proceso de normalización, como esa Máquina de Guerra entre las dos cabezas del Estado de la que hablaban Deleuze y Guattari en el libro Mil Mesetas, o tal vez nuestro quehacer es un proceso en el que vamos instituyendo una forma de percibir, producir y comprender la cultura generando estructuras diferentes.La incapacidad por conectar una red colectiva mayor, una arquitectura sólida conceptual e ideológicamente que cuestione y reconfigure todos los aspectos e instituciones que vertebran las tácticas de gobierno, es un déficit de suma importancia. Esperamos que alguien esté trabajando en llenar ese vacío o por lo menos se apueste por alguna herramienta que lo potencie (como por ejemplo el http://www.n-1.cc/ del que algún día hablaremos en profundidad) pero…

¿cómo si quiera imaginar un sistema colectivo que responda a otro marco de formación /relación /producción / cooperación/ difusión /consumo al propuesto por el actual marco del capitalismo cognitivo?

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Durante los días 20-21-22 de mayo ha tenido lugar en Barcelona la primera edición del “E+C: congreso internacional de economía y cultura” impulsado por la Cámara de Comercio de la ciudad y apoyado por el Ministerio de Cultura. Este congreso, que nace con la pretensión de ser un referente y demostrar a la sociedad que la cultura puede ser un importante motor de crecimiento económico y de desarrollo, logró aglutinar durante tres días a polític*s, académic*s, empresari*s y analíst*s, para discutir en torno al papel de la cultura en la economía contemporánea. Este evento que había levantado expectativas y recelos por igual tenía entre sus objetivos definir “un nuevo marco para la financiación de la cultura” repensando “el papel del mecenazgo, el patrocinio y la responsabilidad social corporativa” y buscando “experiencias de financiación pública y privada y de modelos de apoyo fiscal. Transformación del modelo de subvención en modelo de financiación sostenible a través de mecanismos incentivadores de la eficiencia y la generación de nuevos recursos”. Ciertos sectores recibían con preocupación estas ideas, puesto que en cierto sentido se pone en juego no tan sólo un modelo de financiación de la cultura, sino que se abre un debate en torno al papel que ha de jugar el Estado respecto a la cultura y la naturaleza de las políticas culturales que regularán esta relación.

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Aprovechamos para recomendaros las jornadas que ha organizado el colectivo Krax y que van a tener lugar en Barcelona los días 20-23 de mayo. Estas “jornadas son un encuentro internacional de iniciativas creativas ciudadanas. Las Jornadas KRAX visualizan y conectan a diferentes iniciativas autónomas que desarrollan nuevos formatos de organización y participación (política, cultural, económica…) en la ciudad. Durante los 4 días de las Jornadas, personas y grupos de 7 diferentes ciudades se reúnen en Barcelona para compartir y debatir, entre ellos y con iniciativas de Barcelona, experiencias creativas de reflexión y acción política”. Para esta edición las jornadas contarán con la presencia de los siguientes colectivos: Iconoclasistas, AulaAbierta, Not an Alternative, Toronto School of Creativity and Inquiry, Nosotros Free Social Space, CSA Atreu! y los muy recomendable The Commoner, un repertorio de lujo. ¡Nos vemos por allí!

puedes consultar el proyecto en la web de Krax

El próximo mes de junio nos embarcamos en un nuevo proyecto que nos llevará a trabajar en torno a la producción cultural de la ciudad de México D.F. Bajo el nombre Calavera-Carabela planteamos un proceso de investigación colectiva dividido en tres actividades que se desarrollarán en el centro cultural Casa del Lago. Para empezar vamos a entrevistarnos con numerosos agentes y colectivos culturales independientes de la ciudad para poder conversar con ellos y ellas en torno a los diferentes modelos de producción y distribución cultural, nuevas economías de la cultura, estrategias de supervivencia y buscaremos diferentes formas de tramar redes de apoyo y transferencia del conocimiento entre propuestas independientes. Toda esta información se irá registrando y subiendo al blog que ya está empezando a funcionar. Posteriormente y con la ayuda de algunas de las personas que han participado en esta primera fase, vamos a desarrollar un taller abierto con el que trabajaremos sobre las relaciones entre ciudad, creatividad y economía. Durante tres sesiones iremos desgajando las políticas culturales que se han implementado en Barcelona, hablaremos de los problemas derivados de la precariedad laboral en la cultura y debatiremos sobre nuevas formas de comprender la economía de la cultura. Por último estamos preparando unas mesas redondas y charlas de conclusión en los que socializaremos todo el material que hayamos ido recopilando y plantearemos alternativas a la producción y distribución de la cultura, buscando modelos que escapen a los preceptos de la industria creativa tradicional y afianzando alianzas entre agentes culturales. Si conocéis a alguna propuesta o colectivo que consideréis nos pueda interesar conocer no dudéis en ayudarnos, cualquier información será bienvenida!

Recientemente asistimos a una charla que nos encantó donde se expusieron algunas reflexiones que completaban ciertas ideas planteadas en nuestra investigación de innovación en cultura. Dentro el marco del programa de debates “La cultura de la crisis” organizado por el CCCB, la filósofa e investigadora del Centre National de la Recherche Scientifique (CNRS) de París, Michela Marzano nos presentaba su recién publicado libro Extensión du domaine de la manipulation, de l’enterpise a la vie privée (Grasset, 2008), en el que narra cómo los valores de mercado han invadido la esfera de la vida íntima convirtiéndose en una nueva forma de alienación contemporánea.

La tesis que brillantemente expuso Marzano es que el lenguaje del management empresarial ha irrumpido en la ámbito de la vida privada a raíz del cambio de paradigma ocurrido durante los años 70, momento en el que se empieza a consolidar el neoliberalismo y en las corporaciones se pasa de un modelo empresarial paternalista con una estructura piramidal, a un modelo que incentiva la autonomía de los trabajadores y opera con una estructura horizontal -punto que anticipa de forma brillante Michel Foucault en las conferencias que han sido recientemente editadas bajo el nombre El nacimiento de la biopolítica, en España publicadas por Akal-. Esta nueva forma de entender el management, que se ha extendido hasta nuestros días, implica que aún siendo empleado, cada uno es empresario de sí mismo y ha de tomar decisiones de forma autónoma . Este paulatino proceso de responsabilización de los trabajadores que desde YP describimos en la primera parte de “Innovación en Cultura”, se inicia a finales de la década de los 70 y a lo largo de la década de los 80 cuando numerosas empresas japonesas desarrollaron metodologías específicas para ayudar a generar culturas corporativas que pusieran el conocimiento de los empleados al servicio de la innovación empresarial, esta nueva forma de entender los procesos de innovación implica un compromiso total del empleado medio con la empresa, lo cual supone un cambio de percepción ya que pasa de sentirse explotado a sentirse parte importante de la compañía identificándose con sus objetivos, a pesar de que realmente en la toma de decisiones final no se le incluya. La eclosión del managment tendrá lugar en EEUU, donde se perfeccionaran las técnicas de integración del conocimiento en el sector privado gracias a la prolífica literatura de los grandes gurús como Peter F. Drucker. En el nuevo marco laboral se da más libertad y flexibilidad al trabajador en lo que se refiere a horarios, formas de trabajo, diseño de la jornada laboral, y se desarrollan entornos creativos, de ambientes innovadores, todo ello con un objetivo claro, la extracción de conocimiento y la vinculación del trabajador con la empresa.

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Bruno Latour, uno de los más importantes sociólogos de la ciencia contemporánea, es a su vez uno de los creadores de una herramienta de análisis denominada “teoría del actor-red” o TAR (ANT en inglés). Junto a otros autores como John Law o Michel Callon, desde la década de los ochenta han ido diseñando esta metodología de investigación profundamente influenciada por el trabajo del sociólogo francés Gabriel Tarde, por el del fenomenólogo estadounidense Harold Garfinkel, o por la sociología de la ciencia, este libro introduce estas teorías y recoje sus principales contribuciones. La TAR, que parte de la premisa que lo social no existe y que el excesivo uso que se le ha dado al término hace que en la práctica deje de ser operativo, tiene como objeto dar más agencia a los actores analizados, romper con ciertas barreras humano/animal/máquina y dar preponderancia las tramas de relaciones que se establecen entre estos agentes, contribuyendo de esta forma a acercar más este trabajo a la teoría de redes que a la crítica cultural tradicional.

En el presente libro, Latour desgaja y expone con claridad su metodología de trabajo mientras hace frente y contrargumenta las numerosas críticas que ha recibido esta teoría tildada de relativista, postmoderna y tecnodeterminista. A lo largo de esta obra el autor se encarga de enmarcar y diferenciarse de las escuelas de sociología que según él, utilizan el concepto de lo social para explicar toda una serie de tramas y procesos que no han conseguido entender. De esta manera se distancia de lo que él denomina la sociología de lo social (ejercitada por aquellos autores que siguen considerando que hay algo denominado sociedad que ha de ser descrito), la sociología crítica (rama de la sociología de asume que lo étnico, la clase, el género, etc. son por sí mismos categorías sociales que han de ser superadas y de las que los sujetos deben emanciparse) y por último introduce lo que denomina la sociología de las asociaciones, campo de estudio con el que se encuentra más cercano y que entiende que lo que otros denominan lo social no son más que conjuntos temporales de ensamblajes de agentes/herramientas/animales que se irán reconfigurando dependiendo de factores tanto internos como externos.

Según los defensores de la TAR aquello que otros denominan sociedad no son más que conjuntos de asociaciones que necesitan ser reinventadas constantemente por elementos aglutinadores (para ello sirven las naciones, los equipos, los partidos, los colectivos, etc.) pero que por sí mismos no son más que categorías enunciativas vacías que no pueden explicar cómo se articulan los elementos que los integran, la sociología tradicional falla cuando los utiliza como realidades cerradas. A diferencia de otras ramas de la sociología, en vez de analizar estas categorías para entender la realidad de los sujetos que las constituyen, la TAR propone seguir directamente a los actores para que sean ellos los que se expliquen a través de las múltiples relaciones que tejen con otros elementos con los que interactúan. Los rastros que estos movimientos van dejando constituyen una valiosa fuente de información para esta escuela sociológica que considera que a sólo a partir de estos se puede comprender como funciona una red. Dar voz a los agentes conlleva tener que aceptar que los elementos que configuran una red no tienen porque ser exclusivamente  humanos. Latour a través del ejemplo de un grupo de pescadores de ostras evidencia que para entender este conjunto social es necesario entender su relación con la ostra puesto que tendrá un impacto en el comportamiento de los pescadores, por otro lado las herramientas que utilicen para pescar son a su vez fruto de otra amalgama de redes que las han producido (empresas, distribuidoras, etc.). Esto hace que emerjan redes de relaciones planas en las que el grupo social “pescadores” estará vinculado a las ostras, a los fabricantes de barcas, a las tejedoras de redes de pesca, a los vendedores del mercado, etc. abriendo mucho más los ámbitos de influencia y de explicación de lo que de otra forma se consideraba un grupo social cerrado.

Este libro, pese a tener algunos problemas de traducción que le quitan algo de brillo, constituye una inmejorable forma de introducción a un campo teórico complejo y con demasiados matices como para poder ser resumidos aquí, aún así en ocasiones la necesidad que tiene Latour de contestar a todas y cada una de las críticas que ha ido recibiendo a lo largo de estos años hace que este libro se introduzca en discusiones que mas que contribuir a comprender, pueden llegar a distraer a las lectoras y lectores. También se percibe cierta frustración de maestro universitario que ha sido preguntado demasiadas veces y por muchas personas el mismo tipo de preguntas, ejemplo de esto es el capítulo ‘Sobre la dificultad de ser una hormiga’ escrito en forma de diálogo (quizás inspirado en uno real) con un estudiante que no logra ver la necesidad y ventajas del método de trabajo que Latour propone. Aun así, es un libro útil e interesante que deberían consultar todas aquellas personas dispuestas a sondear la sociedad y que andan faltas de herramientas para introducirse en lo que parece ya no ser una realidad.

Latour, B (2008) Reensamblar lo social. Una introducción a la teoría del actor-red. Ediciones Manatial, Buenos Aires.

Gracias a los ZEMOS98 tuvimos la oportunidad de entrevistar a Ronaldo Lemos, investigador y junto a Oona Castro co-autor del libro “Tecnobrega: reinventando el negocio de la música”, quien dio una charla en el marco del Simposio de Educación Expandida. El Tecnobrega es un movimiento musical nacido en Belem, en el Estado de Pará, caracterizado por la remezcla casera de éxitos de pop que se combinan con ritmos brasileños.  Lemos ha investigado en profundidad este tipo de  fenómenos  surgidos en Brasil dónde las bandas de música de las periferias aprovechan el abaratamiento de las nuevas tecnologías para  producir y grabar sus propios cds que luego distribuyen de forma gratuita a través de portales de internet o que circulan a través las redes de venta ambulante generando una inmensa trama de economía informal. Se trata de  un ejemplo de cómo nuevos mercados culturales están surgiendo a raíz de la crisis del modelo tradicional de industria cultural basado en los derechos de autor y controlado por los oligopolios de las grandes distribuidoras. Éste es uno de los temas en los que ahondamos en la investigación que estamos desarrollando llamada “nuevas economías de la cultura”, en la que paralelamente tomamos como caso de estudio el sistema de financiación pública de la cultura brasileña, para tratar analizar las tensiones que se producen entre la esfera pública y la privada a la hora de incentivar la producción cultural. De todas estas cuestiones charlamos con Lemos quien nos regaló 40 minutos de su tiempo en la siguiente entrevista que, en nuestra opinión, no tiene desperdicio:
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nos llega la noticia vía ptqk y amasté, del actual entuerto en la sala Rekalde. Como bien comenta @chemagonz, la serie de despropósitos vinculados a centros de arte contemporaneo que en menos de un año estamos viviendo, no hacen más que insistir en la mala calidad de “nuestra” clase política y la insistente intrumentalización política del arte (cada vez menos disimulada).  El índice es muy descriptivo: Centre d’ Art Santa Mónica, campaña mediática contra CGAC, Centro Guerrero y ahora, la Sala Rekalde. Al parecer, el espacio del Arte Contemporaneo se ha descubierto como un contexto de fácil manejo para fines políticos y de experimentación para el periodismo demagógico (ese que al parecer hoy, sí cuenta con grandes espacios y que parece gana adeptos). Estos sucesos encadenados son una provocación y un desprecio a todos aquellos y aquellas que de una manera u otra participamos en la esfera artística, y se hace necesario una lectura conjunta de esta situación y una reacción colectiva. Os extendemos la información sobre el caso Rekalde. El mail para adhesiones es rekaldeadhesiones@gmail.com

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Estimado/a colega,

Desde la realidad plural y diversa del mundo del arte, hemos seguido primero con preocupación y más tarde con creciente indignación, la noticia del cese de la directora de la sala rekalde (http://www.salarekalde.bizkaia.net/) y las informaciones que cuestionan la labor de la sala.

También nos hemos sentido aludidos por esta puesta en cuestión de la labor del equipo de la sala rekalde y, por extensión, del amplio espectro de profesionales del arte que de una u otra manera nos sentimos vinculados a ella. La preocupación es aún mayor si se tiene en cuenta que no estamos ante una cuestión aislada y local, sino ante un suceso enmarcado en un proceso generalizado de involución de las políticas culturales.

Con el objeto de manifestarnos públicamente ante estas informaciones, esta plataforma conformada por profesionales del arte hemos puesto en circulación en la red el texto que adjuntamos y al que cualquiera se puede adherir indicando su nombre, y dedicación profesional entre paréntesis, en la siguiente dirección: rekaldeadhesiones@gmail.com

Este texto se enviará en una fecha próxima con las firmas recabadas hasta ese momento a la Diputada de cultura de Bizkaia así como a los medios de comunicación.

Te rogamos que reenvíes este correo a cuantas personas creas que puedan estar interesadas en unirse a esta iniciativa. Muchas gracias,

SALA REKALDE: ARTE CONTEMPORÁNEO Y RESPONSABILIDAD PÚBLICA

Nuestra preocupación por los recientes artículos en prensa que informan del cese de la directora de la sala Rekalde se ha ido tornando en indignación y bochorno al ver la manera en la que están derivando en una campaña mediática de descrédito del programa de la sala y, de paso, de la propia idea de arte contemporáneo como espacio de reflexión crítica. La coartada que parece cobijar este desdén hacia el arte contemporáneo es la idea, pertinaz en la opinión mediática, creciente en la sociedad y demasiado frecuente entre algunos gestores públicos de la cultura de que la valoración del arte es relativa, cuando no arbitraria, así como ponderable en términos de popularidad contable. En el arte contemporáneo hay mecanismos de análisis, debate, consolidación y validación tan legítimos (y, por otra parte, tan especializados) como en cualquier otro espacio de saber. Esto aconseja que a la hora de evaluar o emitir juicios se tengan en cuenta
los aspectos específicos del propio sistema del arte, si se persigue alcanzar un mínimo de racionalidad y eficacia.

Necesariamente, hay opiniones abiertamente opuestas en el análisis y debate que valida el arte, porque el arte es precisamente un ámbito donde la permanente crítica de los métodos y discursos de validación es condición necesaria. Es, pues, no sólo legítimo sino deseable someter a crítica este programa y los parámetros de éxito que lo han hecho relevante. Pero también hay que exigir un mínimo rigor a la crítica. La valía del programa llevado a cabo por la sala Rekalde en los últimos años es un hecho constatable, contrastado y avalado por muchas de las instituciones y los profesionales nacionales e internacionales más destacados del ámbito del arte.

Quizá sea necesario recordar que el lugar que ocupan los centros como Rekalde es aquél en el que los comportamientos críticos aún no canonizados por una inevitable institucionalización producen la realidad discursiva de la que se nutre todo el entramado de la cultura contemporánea. Estos centros están volcados a la parte de “producción cultural”, a diferencia de otro tipo de equipamientos más dirigidos a la de “consumo cultural”. Las nociones de “producción” y “consumo” exigen dinámicas muy diferentes por parte del espectador. Por ello, es inadecuada cualquier valoración de la eficacia social de la sala Rekalde a partir de criterios estadísticos en los que se compara su número de visitantes con, por ejemplo, el del museo de BBAA de Bilbao o el Guggenheim. Lo es porque cada uno de estos equipamientos responde a dinámicas y objetivos radicalmente diferentes. Por otro lado, ¿de dónde surgirán los artistas que nutran a esos
lugares dedicados al consumo cultural, si no es de lugares de producción experimental, necesariamente mucho más minoritarios?

Es por tanto esa “producción” y su estructura las que corresponde evaluar: ¿necesita la sociedad estructuras de producción como la descrita o, por el contrario, la apuesta consiste en promover exclusivamente políticas de medidas para incentivar el consumo, sea cultural o no? Si adoptamos una visión sistémica de la cultura, algo que es exigible a la responsabilidad de toda política cultural en condiciones contemporáneas, no podemos pasar por alto la importancia de este tipo de producción para la salud de todo el sistema. Una política cultural que apueste por el modo de producción experimental se define por su apoyo a un sistema social en constante cambio donde la diversidad es el pilar fundamental, porque, como se sabe, el sistema vive y se regenera en la producción incesante de diferencias.

La contextualización de todo este proceso en parámetros de polémica ideológica, a través de la alusión a la obra retirada el pasado año del certamen Ertibil, es falaz y cumple, mediante la demagogia, la sola función de anatemizar ante la opinión pública la propia idea del arte como agencia crítica. Es irónico, además, que Ertibil sea precisamente un certamen que no forma parte del programa de la sala sino que se aloja allí a iniciativa de la Dirección de cultura de la Diputación.

Lo que una vez más confrontamos tras esta operación de descrédito es la fragilidad de las estructuras culturales públicas ante la oportunidad política o la irresponsabilidad mediática. Una fragilidad que será endémica mientras no se establezcan y apliquen códigos de buenas prácticas en el ámbito de las artes visuales que garanticen que los profesionales puedan realizar su quehacer y que éste sea debidamente examinado y evaluado por conocimiento experto. Ésta es una de las cuestiones centrales de un debate largamente demorado y siempre pendiente sobre las políticas culturales.

Por todo lo dicho y ante el clima generado por el cese aún no comunicado oficialmente de la directora de la sala, reclamamos de la Diputada de cultura de la Diputación de Bizkaia un gesto de desagravio. Éste deberá dejar fuera de toda duda la solvencia del programa llevado a cabo en Rekalde y de la comunidad del arte como ámbito profesional y de conocimiento que en su extrema pluralidad mantiene una innegable seriedad y un demostrable prestigio, al tiempo que reafirmamos nuestro posicionamiento de total desacuerdo con la puesta en peligro de un espacio de producción contemporánea, de los cuales estamos tan escasos. En este sentido, los y las abajo firmantes, junto a un nutrido grupo de profesionales, estamos trabajando en una declaración del sector que haremos pública en breve.

Este escrito, firmado por profesionales que representan distintos ámbitos y sensibilidades del sector del arte, circula desde este momento sumando adhesiones de la comunidad artística nacional e internacional a través de la dirección de mail rekaldeadhesiones@gmail.com

Imaginad un laberinto en cuyo centro hay un montón de células que para encontrar el camino más corto a la comida deciden agregarse e ir avanzando hacia la salida. Esto que podría ser la sinopsis de un cuento de Kafka es el punto de partida del último libro que hemos leído, “Sistemas emergentes, o qué tienen en común hormigas, neuronas, ciudades y software”, su autor Steven Johnson explica que un sistema emergente es aquel que a partir de la interacción simple entre sus elementos (microconductas) crea un patrón de complejidad en una escala superior (macroconducta). Para ilustrar este fenómeno Johnson se sirve de numerosos ejemplos: las hormigas capaces de crear colonias “inteligentes” que se autorregulan en función de sus necesidades, los habitantes de una ciudad que crean barrios y estructuras para gestionar la información que circula en ellas o un software que es capaz de “aprender” por sí mismo. Lo que tienen en común todos ellos es que son sistemas ascendentes y descentralizados, que extraen su inteligencia de la base y que desarrollan comportamientos emergentes para adaptarse al medio, sin embargo, para que esta emergencia tenga lugar han de darse un alto número de interacciones propiciadas por una gran cantidad de agentes, de esta idea nace el lema de la teoría de la complejidad “more is different” surgido en 1972 a raíz de un artículo del Nobel de física Philip W. Anderson.

Más allá de lo extraordinariamente bien que explica Johnson cada caso, al más puro estilo de los mejores divulgadores estadounidenses -con todo lo bueno (claridad expositiva, narrativa fluida y algún que otro chiste) y todo lo malo (cierta superficialidad analítica y escasez de visión crítica)- lo mejor del libro es, en nuestra opinión, la trama de diferentes autores, documentos y referencias armada hábilmente para dilucidar cómo ha emergido la propia teoría de la emergencia. De esta manera, a medida que avanzamos en la lectura, vamos descubriendo que el trabajo sobre morfogénesis de Alan Turing publicado en 1952 influyó en las investigaciones sobre termodinámica que le valieron a Ilyia Prigogine un premio Nobel, y asimismo, Turing dio la clave a los investigadores Keller y Segel para descubrir, diez años más tarde, que las células del moho no se agregan porque una célula “marcapasos” así lo dicte, sino debido al comportamiento emergente de todas ellas. Claude Shanon, fundador de la teoría de la información se nutrió también de las conversaciones con Turing para concebir un cerbero artificial que reconociera patrones musicales y en 1948 publicó “The Matematical Theory of Communication”, en cuya introducción Warren Weaver firmaba uno de los textos fundacionales de la teoría de sistemas complejos  y que Jane Jacobs reconocía haber leído con entusiasmo antes de escribir su fabuloso libro “The Death and Life of the Great American Cities”. Por su parte, Norbert Wiener autor del influyente texto “Cibernética” fue tutor de Selfridge quien desarrolló el primer software ascendente al que llamó “Pandemonium” -en honor al “Paraíso perdido” de Milton- y que a su vez ha sentado las bases para una larga de tradición de desarrolladores de software emergente y que tiene su momento álgido en el videojuego SimCity de Will Wright.

Estos son sólo algunos de los hilos de la historia que Jonshon  teje en torno a los sistemas emergentes, una historia que según el autor marca los albores de un cambio de paradigma que tal vez podría culminar en un estadio en el que la sociedad interconectada haga emerger una suerte de cerbero global. Y aunque esto podría parecer la sinopsis de Matrix es tan sólo el insólito final del libro, una obra que recomendamos especialmente a todos aquellos que tengan mucha curiosidad por iniciarse en la materia y pocos prejuicios con las tecnoutopías.

Johnson, Steven. (2007) Sistemas emergentes. O qué tienen en común hormigas, neuronas, ciudades y software. Ed.Turner. Madrid